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山田正亮展(1)

東京国立近代美術館で開催中の山田正亮展。

全体の感想から言えば、ちょっとわざとらしくない?ってこと。ストライプから滴る絵具や円環構造や計画性。偉そうに言えば、一瞬語りうるように見えて、展覧会の後半に進めば進むほど、さまざまな無理を痛感してしまう。ましてや、そのような無理を作家自身に強いてしまう状況こそが批評、さらには日本美術界において未解決のまま残された課題なのであるという評論は虚しく響くばかりである。

しかし当然のことながら、個別には面白い発見があった。ひとまず、今回は初期静物画のみに的を絞る。初期の静物画はそのセザンヌ受容の方法において、確かにモランディに漸次している。ただし、モランディの初期作品には形態解体を目指すキュビスムの一端を指摘することができるのに対して、山田の静物画は解体ではなく、セザンヌ流の安定から零れ落ちるりんご、あるいは不安定化した土台としての机面がタブローに一致するかのような面性を発揮している。

1950年代半ばになると、その構図と筆触は融解に近い様相を呈していくことになる。全体の印象は限りなく後年の《Work E.F》における領域策定の越境に近づくことになるが、赤エイがその体をもって示唆するように、静物画が要請する正面性を過度に残存させるとともに、瓶や壺の形態はかろうじて他律的にではあるが保たれている。おそらく《Work E.F》に見られる境界策定と内部から外部への越境を容器的なものとして、考えれば(沢村遼)、その原初はすでに50年代半ばの静物画に見出せるのだ。

それにしても、山田の抽象への過程が静物画の自然な発展にあったことは興味深い。間違っても、それは画家自身が強調するような色彩の研究ではないのだ。静物画から抽象へ。キュビスムが基本的には静物画であったことはすぐさまに想起されるが、以前の投稿でも取り上げたように、キュビスムから抽象の直結はできない。問題はキュビスムモンドリアンの方法にではなく、静物画の発展のある段階に抽象の問題系を位置付けてみることである。